Si maîtriser quelques règles élémentaires de composition permettra d'obtenir de meilleures photographies, l'étude de l'œuvre des maîtres reste l'un des meilleurs moyens de progresser. Étudions donc la composition de quelques clichés célèbres.

Françoise Gilot et Picasso, par Robert Capa

Prise juste avant que Picasso n'abatte son parasol sur le crâne de Françoise Gilot, affaire qui fit grand bruit à l'époque, cette photographie de Robert Capa dénote une formidable maîtrise de la composition photographique et est très riche en enseignements.

Notez d'abord que les règles élémentaires de la composition sont respectées à la lettre, notamment la règle des tiers. Cette règle stipule que sur chaque photo doivent figurer trois personnes pour être valide, ce qui est le cas ici. En arrière plan, on distingue très bien Antoine Capa, le frère de Robert, qu'il employait fréquemment comme figurant pour s'assurer que chaque cliché comporterait bien le bon nombre de sujets.

Mais le grand intérêt de cette photo réside dans l'analyse des diagonales. En photographie, la diagonale apporte du dynamisme à l'image et guide l'œil à travers la photographie. Or, que voyons nous ici ?

On constate que toutes les diagonales se croisent en un point situé en dehors du cadre. L'intention de l'artiste est clairement de nous faire comprendre que le véritable sujet est invisible. De quoi s'agit-il ? Mystère ! Cette énigme, conjuguée à la stature menaçante de Picasso et à la verticalité paternaliste de son parasol brandi comme une arme confère à la photographie une atmosphère pesante, lourde de menace.

Un autre élément très important à considérer est la direction des regards. L'être humain est fortement attiré vers les regards, aussi les directions que prennent ceux-ci sont toujours chargés d'une lourde symbolique et peuvent révéler un sens caché à première vue.

Peut-on imaginer directions plus divergentes ? Clairement, la discorde règne parmi ces personnages et grâce à la maîtrise de Capa, leurs sourires crispés ne font pas illusion.

Mystère, menace, danger… Analyser la composition de l'œuvre nous renseigne sur la façon dont l'artiste agence les différents éléments de l'œuvre pour lui conférer cette atmosphère lourde et angoissante.

Feu tricolore, par Steve McCurry

Cette photo, réalisée par le grand Steve McCurry, a été commanditée par le ministère indien de la sécurité routière. Le maître allie ici formes géométriques et jeu sur les couleurs pour dénoncer de manière sans équivoque les dangers de la conduite à risque sur la route.

Commençons par nous pencher sur l'utilisation des couleurs. Les teintes vertes, rouges, oranges symbolisent très clairement un feu tricolore, signifiant ainsi que le photographe souhaite s'exprimer au niveau métaphorique. Il s'adresse ainsi directement à notre subconscient, décuplant l'impact de la campagne. D'ailleurs, d'autres éléments se rapportent subtilement au champ lexical de la conduite en général, comme le fait que la plupart des protagonistes portent une moustache.

L'artiste oppose ici des formes géométriques de manière très claire : une diagonale dominante mais solitaire entourée de nombreux cercles. Cette diagonale, qui plus est représentée en vert, c'est le bon conducteur. Son maillot de bain évoque un départ en vacances bien méritées vers les plages du Cap-d'Agde après une longue année de travail.

Ces nombreux cercles — forme fermée s'il en est — qui l'entourent, anonymes car leurs visages sont invisibles, symbolisent ainsi « les autres ». L'artiste nous rappelle ainsi que le danger, sur la route, c'est bien l'autre conducteur, qui conduit souvent comme un gros connard.

Admirons enfin la précision du détail qui caractérise le travail de McCurry. Car nous constatons que chaque turban est constellé de pois nous donnant l'impression d'une reproduction en miniature de la photo elle même. Cette mise en abîme symboliserait elle l'introspection intense caractérisant le conducteur qui patiente au feu rouge ?

Candy Cigarette par Sally Mann

L'étude de la féminité à travers les âges est un des thèmes majeurs de l'œuvre de Sally Mann, qui aura sans doute été influencée par son nom signifiant « homme ».

« Candy Cigarette », sans doute l'une des plus célèbre photographies de l'artiste, est un hymne à la naïveté de l'enfance et l'insouciance de la jeunesse. Étudions comment la photographe utilise la composition pour servir son sujet.

D'abord, les lignes. Un simple coup d'œil nous suffit pour constater qu'il n'y a pas de lignes directrices fortes dans cette photo. Bien au contraire, c'est du grand n'importe quoi. Même les diagonales sont en vérités légèrement courbées.

Ce véritable mikado ne symbolise-t-il pas la cascade de pensées sans queues ni têtes qui traversent à tout instant la tête des enfants ? Par ailleurs, cet embrouillamini provoque une très forte fatigue visuelle qui n'est pas sans rappeler la lassitude des parents qui doivent supporter leurs rejetons braillards à longueur de journée.

Nous noterons au passage que Sally Mann semble respecter religieusement la règle des tiers. Pourtant, quelques secondes de réflexion suffiront à nous convaincre qu'il y a anguille sous roche. Car deux des tiers sont coupés à la taille, ce qui nous donne véritable un compte de 1 + 2 × 1/2 = 2. Quelle brillante façon d'évoquer la taille réduite des bambins ! L'artiste nous rappelle ainsi avec brio que les règles de la composition sont faites pour être détournées.

Notez comme l'arrière plan est flou. La photographe utilise ainsi un autre élément de la composition : la profondeur de champ. En utilisant une faible profondeur de champ, nulle doute que l'artiste évoque l'insouciance des enfants et leur manque de suite dans les idées.

Enfin, consacrons encore quelques instants à admirer la maîtrise dont Sally Mann fait preuve en disposant chacun des éléments clés du cliché sur une spirale du nombre d'or.

Conclusion

Seule une étude approfondie de la composition d'une photographie est à même d'en révéler le véritable sens profond. Ne nous leurrons pas, la plupart du temps, ces éléments sont dus à des coups-de-bol de l'artiste. Ainsi que le disait le maître, Henri Cartier-Bresson lui-même :

Je prends juste beaucoup de photo, du coup, il y en a forcément une ou deux qui vont rendre pas trop mal.

À méditer…